Visionnaire et singulier pour certains, boutiquier du spectateur CSP+ pour d’autres, tout le monde s’accorde à qualifier Quentin Dupieux de la même façon : prolifique. Avec huit films au compteur depuis 2018, et avec des démarrages récents en trombe, le réalisateur a définitivement rompu avec l’anonymat de ses premières expérimentations pour devenir mainstream. Il fait ainsi l’ouverture du Festival de Cannes pour sa 77e édition, avec Le Deuxième acte, proposition méta au casting cinq étoiles.

Quentin Dupieux nous avait prévenu, se fendant d’une lettre à l’AFP : Le Deuxième acte contient sa propre analyse et, dans une dialectique très Dupieusienne, le réalisateur jeune quinquagénaire préférait « fermer son clapet » et, vœu de silence oblige, refuser toute promotion. Il avait conclu cette lettre en expliquant être impatient de lire nos critiques, commentaires ou insultes : dès lors, pourquoi nous priver ?

Le Deuxième acte narre quatre acteurs, Florence (Léa Seydoux), David (Louis Garrel), Guillaume (Vincent Lindon) et Willy (Raphaël Quenard), sur le tournage d’un drame familial français qui tourne au vinaigre. Le film se fend d’une triple mise en abîme, puisqu’ils interprètent les personnages d’un film fictif, les acteurs du film sur le plateau, mais aussi à la sortie de ce dernier. Ce dispositif permet à Dupieux d’ouvrir son coffre à jouets, et de proposer des plans-séquences interminables assortis de dialogues parfois savoureux entre acteurs ou personnages de films, oscillant entre réplique cucul ou vanne graveleuse.

Dupieux parvient ainsi à construire une machinerie désarçonnante, où acteurs, personnages, réel et fiction se confondent, par exemple lorsque Guillaume entame une litanie démago dont Vincent Lindon a le secret, avant d’être taclé sur les nombreux tocs du comédien par Florence. Où est donc la frontière entre réel et fiction ?

Cette nouvelle proposition, bouclée, une fois encore, en 80 minutes, parvient à trouver d’excellentes références (Guillaume contacté par les américains, faisant référence à la carrière outre-Atlantique avortée de Vincent Lindon). Jouissant d’un casting cinq étoiles qui a compris l’exercice et s’épanouit dans cette parodie d’eux-mêmes, le résultat est impressionnant.

Toutefois, entre deux blagues sur la cancel culture ou monologues qui pourraient sortir du dernier torchon de Dora Moutot et Marguerite Stern, on se risque à notre tour à formuler une opinion : Quentin Dupieux ose tout ! Sauf peut-être aller jusqu’au bout de l’exercice, et mettre ses acteurs face à leurs contradictions sans leur offrir un alias confortable derrière lequel se cacher.

On aurait pu assister à un jouissif lancer de tartes à la crème, où Vincent Lindon en aurait pris pour son grade, après une carrière de quarante ans à camper « un mec dans les mêmes vêtements », oscillant entre syndicaliste et vigile de grande surface, malgré les ambitions présidentielles de son interprète, qui aurait à son tour taclé la népobaby la plus connue de France, ou encore l’ancien assistant parlementaire et son accent ridicule de prolo, omniprésent dans les médias depuis l’année dernière.

Mais il n’en est rien. La mise en abime protège ses comédiens, autant qu’elle rend cette satire étonnamment vaine. Quentin Dupieux a dit qu’on ne pouvait plus rien dire, et il n’a rien dit d’autre ni de plus.

Il faut malgré cela adresser l’éléphant dans la pièce, Le Deuxième acte est un film problématique. S’il s’amuse à parler cancel culture, intelligence artificielle, violences sexuelles et sexistes, il n’a rien à en dire de plus que « Tout ça n’est que du cinéma, il n’y a pas grand-chose à en faire si ce n’est en rire ». En ce sens, il épouse la posture du Festival de Cannes, qui refuse toute responsabilité politique dans le milieu prédateur du cinéma et toute cette période post-MeToo où les rares témoignages des victimes se payent encore trop chers.

Les spectateurs riront ainsi lorsqu’on entendra parler de travelo, de pédé, de mongolien ou encore d’une main au cul qui pourrait empêcher de retrouver du boulot. À cette satire anecdotique, réactionnaire et désormais si politiquement correcte, opposons les mots courageux de Judith Godrèche : “Depuis quelque temps, je parle, je parle, mais je ne vous entends pas, ou à peine. Où êtes-vous ? Que dites-vous ? Un chuchotement. Un demi-mot.”

Note : 2/5. Le Deuxième acte peut se targuer d’un dispositif de triple mise en abime ingénieux, d’un excellent casting et d’une approche du plan-séquence ingénieuse au service d’un métrage référencé. Dommage que ce matériau serve un non-film lâche, réactionnaire et braillard, plus proche des chaînes d’information en continue que du cinéma français.

Le Deuxième acte est en salles depuis le 15 mai 2024, on vous laisse découvrir sa bande-annonce :

Dans le marasme qu’est la situation de Disney depuis le « post-covid », Wish – Asha, la bonne étoile (réalisé par Chris Buck et écrit par Jennifer Lee) devait ramener l’humeur à la fête, centenaire des studios oblige. Après une succession de déceptions commerciales, cette nouvelle production animée aux airs d’hommage appuyé à l’histoire du studio peut-elle le remettre sur les rails pour son anniversaire ?

Dire que Disney est dans une impasse est un euphémisme, tant d’un point de vue financier, créatif ou encore exécutif. La société aux plus de 800 productions affiche ainsi un historique affolant depuis plusieurs mois.

Le « post-covid » a été un dédale de décisions contre-intuitives et parfois peu cohérentes (à l’instar de l’absence de sortie en salle de l’excellent Alerte Rouge). Entre absence de communication, direction artistique au rabais, ou repli des créations animées (les deux seuls projets animés annoncés officiellement sont les suites de Zootopie et deux volets de La Reine des neiges). Les mouvements rocambolesques à la tête des studios sont l’une des explications de ces stratégies court-termistes qui ont fait de Disney le mauvais élève de la gestion post-pandémique.

C’est dans ce contexte agité que Wish ambitionnait de fêter dignement le centenaire des studios en envoyant un message d’espoir aux aficionados de la firme aux grandes oreilles. Le film relatant la quête d’Asha pour sauver le royaume de Rosas et les voeux de ses habitants y est-il parvenu ?

Techniquement, Wish ne se distingue pas dans le bon sens du terme. Le cell shading (une technique de colorisation des modèles 3D pour leur donner un aspect cartoon) est exécuté correctement, mais rend l’ensemble terriblement terne, a fortiori pour un royaume enchanté où les voeux se réalisent grâce à la magie de son roi, Magnifico.

Et c’est là le piège du cell shading ; cette technique assombrit souvent les productions, qui doivent alors être dotées d’une palette colorée vive pour ne pas sombrer dans une bouillie sombre (ce que réussissait par exemple très bien Legend of Zelda, the Wind Waker). L’intention était limpide, il s’agissait de réunir 2D et 3D pour soutenir l’hommage aux productions iconiques de la firme. Résultat, ça n’a ni le soin d’une production vintage en 2D (à l’instar d’un Princesse Dragon d’Ankama Games), ni la précision ciselée des productions 3D récentes.

En termes d’écriture, Wish ne donne pas non plus de quoi se réjouir. Asha est une héroïne vide de personnalité et de substance. Un archétype fonctionnel d’adolescente altruiste prête à tout pour sa famille et son royaume à propos duquel il est impossible de ressentir une quelconque empathie.

Magnifico paraît prometteur (et charismatique !) durant la première demi-heure du film avant de s’aplatir et de sombrer dans un manichéisme rance. Rien à signaler du côté des personnages secondaires, monolithiques et aussi excitants qu’une après-midi à remplir ses cotisations URSSAF. À noter que la version française ne permet pas d’apprécier le travail d’Ariana DeBose ou de Chris Pine, qui sont les deux seuls rameurs dans cette galère.

Wish mouille toutefois le maillot à essayer de référencer l’ensemble des grandes productions de Disney, souvent sans subtilité (un cerf qui se fait appeler Bambi, vous l’avez ?). Fatalement, toutes ces références appuyées renforcent l’envie d’interroger la comparaison. Wish est-il un héritier légitime à Peter Pan, Bambi, Cendrillon ?

Plus le film déroule son scénario linéaire et sans surprises, plus la réponse paraît évidente. Sans idée narrative forte ou quelconque retournement, le spectateur est laissé en proie à près d’une centaine de minutes abyssales où quelques chansons bien rythmées se battent pour sauver l’ensemble.

Note : 1,5/5. Convenu, désincarné, terne et en manque d’inspiration, Wish parvient plutôt bien à portrayer la firme de Mickey. Ses tentatives d’hommage aux classiques du studio ne font que flatter une comparaison à son net désavantage. Entre modernité et tradition, Wish parvient même à rendre légitimes les pires complaintes sur le cell shading, un exploit pas réalisé depuis près de deux décennies.

Si vous décidez de vous jeter dans la machine à miner les rêves nommée Disney, voici une bande-annonce pour vous en dissuader. Wish – Asha, la bonne étoile est en salles depuis le 29 novembre 2023.

Retracer le parcours spirituel, personnel, politique d’Hokusai, célèbre peintre japonais de l’ère d’Edo, c’est l’ambition du cinéaste Hajime Hashimoto dans un film éponyme, paru en 2020 dans le pays natal de l’artiste. Est-il parvenu à mettre en lumière la personnalité discrète de ce « fou du dessin » persuadé qu’il accéderait à la sagesse une fois centenaire ?

S’il pouvait sembler évident de faire d’une figure aussi incontournable et intemporelle que Katsuhika Hokusai le sujet d’un biopic, l’exercice s’annonçait en fait très périlleux.

D’une part, les biographies à son sujet ne s’accordent pas toutes, ne serait-ce que sur sa date de naissance. Impossible dès lors pour Hajime Hashimoto de proposer une copie scolaire et appliquée, qui rendrait scrupuleusement et chronologiquement compte de la vie de l’artiste.

De surcroît, raconter Hokusai ne saurait souffrir d’aucune excentricité. L’homme était un ascète, dont le souvenir de la peinture a tout entier avalé le souvenir du peintre. Sa destinée n’est d’ailleurs pas composée de moments, de remous, de chutes ou de rédemptions. Elle est au contraire une ballade à la trajectoire (presque) linéaire s’achevant par la mort d’un vieillard devenu sagace.

Enfin, Hokusai a vécu 88 ans lors de l’ère d’Edo, l’une des époques les plus bouillonnantes de l’histoire du Japon. Conter son histoire, c’est aussi parler d’un Japon à la veille de soulèvements contre le shogunat, d’une époque qui voit l’imprimerie faire des progrès fulgurants, ou écouter les murmures qui se faufilent dans les couches intimistes des courtisanes du quartier des plaisirs de Yoshiwara.

Ces difficultés, Hajime Hashimoto les déjoue soigneusement. D’abord en s’éloignant du rythme classique et chronologique du biopic.

Ce dernier décide ainsi de croquer dans un premier mouvement l’artiste dans une jeunesse fougueuse avant de le montrer au crépuscule de son existence ; ces deux périodes sont séparées par une ellipse.

Il s’agit pour le réalisateur de décrire la vie du maître comme le cycle d’une année. Ce mouvement poétique, oscillant entre le printemps bourgeonnant d’un artiste effronté et l’hiver crépusculaire d’un maître en transe, est largement mis en avant par la mise en scène. Nerveuse et agitée durant le premier acte (à l’image du contexte sociohistorique qu’elle explique avec une précision ciselée), elle devient plus contemplative et métaphorique par la suite.

Raconter plusieurs Hokusai nécessitait ainsi plusieurs interprètes. Le jeune sera campé par l’excellent Yūya Yagira, habitué à l’exercice après avoir interprété Takeshi Kitano dans Asakusa Kid. C’est toutefois Min Tanaka (un homme césarisé au Japon à la carrière exceptionnellement hétéroclite, allant de 47 Ronin à Amer Béton) qui s’impose comme l’étoile du film. Sa palette d’émotions est idoine. Solennel ou possédé, solitaire ou sociable, père absent ou mentor missionné, tout lui sied autant que l’estampe.

On notera enfin la performance d’Hiroshi Abe dans le rôle de Juzaburo Tsutaya, un éditeur historique et Pygmalion de son époque (dont on ne mettrait d’ailleurs pas notre main à couper qu’il a factuellement collaboré avec Hokusai).

Tout ce petit monde incarne un tableau extrêmement vivant dans un Japon chahuté et parfaitement recomposé. Les costumes sont somptueux, les décors jouissifs, et la photographie ne permet que d’apprécier encore plus le soin apporté à l’artisanat d’Hokusai.

La part belle est laissée à l’art, sans laisser de côté ses artisans. Dans l’intimité d’une couche feutrée de Yoshiwara, dans une imprimerie bruyante, ou à même le sol d’une bicoque, le dessin, la peinture, la sculpture ou le théâtre sont dignement représentés.

90 minutes sont étonnamment suffisantes (nous y reviendrons) pour adresser des problématiques pertinentes sans tomber dans le piège de faire de La grande vague de Kanagawa un trop gros évènement pour le peintre (avec près de 30.000 travaux à son actif, il n’a pas réalisé La grande vague dans un esprit particulier).

Sauf qu’Hokusai ne dure pas 90 minutes. Si le matériel presse de son distributeur, Art House (une fantastique société de distribution au demeurant), n’indique rien à ce sujet, de nombreuses mentions d’une mouture de 129 minutes, disponible au Japon, font surface sur la toile.

De quoi se demander, pourquoi Hokusai hérite-t-il d’un charcutage de près de 40 minutes ? Parfaitement digeste, d’une narration fluide, qu’est-ce qui a motivé sa société de distribution dans l’Hexagone à le rogner de la sorte ?

À défaut d’avoir une réponse à cette question, nous pouvons toujours imaginer ce qui a été prélevé. Peut-être une dissertation plus étoffée sur le Japon à l’ère d’Edo et ses persécutions infligées aux artistes qui sortaient du cadre imposé par le shogunat, ou encore le récit des rencontres entre Hokusai et l’étranger, en particulier les Pays-Bas.

Note : 3,5/5. Efficace, inspiré, méthodologiquement brillant et incarné avec justesse, il ne manque pas grand-chose à Hokusai pour être un excellent biopic. Jamais avare lorsqu’il s’agit de nous montrer du beau, dans ses reproductions de peintures ukiyo-e comme dans son artisanat, l’amputation de près d’un tiers du film demeure incompréhensible.

En attendant, il est capital de soutenir son distributeur français, Art House. Hokusai est disponible en salle depuis le 26 avril 2023. Pour les plus récalcitrants, la bande-annonce saura vous convaincre.